История развития натюрморта

Рассматриваем эволюцию изображений мира вещей: от выделения в самостоятельный жанр через золотой век голландской живописи и перерождение во второй половине XIX века к современным тенденциям в фотографии

Люди изображали окружающие предметы на протяжении тысяч лет. Древние египтяне расписывали гробницы и храмы сюжетами подношений богам. Египтян не интересовала точность передачи перспективы, светотеневые переходы. Они не стремились, чтобы вещи выглядели реалистично, их целью было показать каждый предмет в его наиболее узнаваемой форме, и обозначить, что каждый из этих предметов был.

Греческие и римские художники рисовали предметы более реалистично чем египтяне. В музеях и архитекнурных памятниках можно встретить мозаики и настенную роспись на которых художники стараются передать светотеневой рисунок и оттенки объектов. Такие сюжеты имели искючительно декоративное значение — ими оформляли ниши в домах, цветочными герляндами обрамляли живиписные полотна.

Становление натюрморта, как самостоятельного жанра начинается в 1500-х годах в Северной Европе. В средние 16 века искусство служило христианству, иллюстрируя сцены из Библии. Художники в 1500-х и 1600-х годах, такие как Ян Ван Эйк и Караваджо, включали композиции предметов как часть христианских сцен.

Расцвет жанра приходится на XVII век в среде Голландских и Фламандских живописцев. В это время популярными стали картины «Vanitas». Название относится к словам из Библии, где говорится: «vanity of vanities — all is vanity» («Суета сует — все суета»). Идея заключалась в том, что люди любят мирские удовольствия, то, что заставляет их чувствовать себя важными или богатыми, и все же это ничего не значит, потому что время скоротечно, и человек уйдет из этого мира как и пришел — ни с чем.


Натюрморты «Vanitas» были призваны напомнить, что люди не должны слишком привязываться к имуществу. Во всяком случае, художники всегда изображали дорогие и причудливые предметы, музыкальные инструменты и бокалы для вина, предметы для удовольствия. В сюжеты включались предметы напоминающие о времени, такие как свеча или песочные часы, или о смерти, обычно черепа.

Художники продолжали писать натюрморты, но считались менее важными, чем сцены из Библии. Предметная живопись служила для тренировки технических навыков художника.

Это изменилось в XIX веке с появлением импрессионистов. Теперь художники не были заинтересованы в создании фотореалистичной живописи — после изобретения фотографии в этом не было никакого смысла. Вместо этого начались эксперименты с цветом, формой и способом нанесения краски на холст, чтобы создавать прекрасные произведения сами по себе, в визуальной эстетике — не из-за символизма или сюжета. Величайшим из этих художников был Поль Сезанн. Он в одиночку поднял натюрморт к уважаемой художественной форме.

Последователи Сезанна развили идею не расписывать вещи в перспективе с одной точки зрения, а изображать плоскости из нескольких точек зрения, чтобы создать нечто более оригинальное и эффектное.

Как Брак, так и Пикассо рисовали многочисленные натюрморты. В некоторых случаях трудно понять, какие объекты на них изображены. С этого момента начинается абстрактная живопись, в которой художник не рисует ничего реального, а просто создает привлекательные образы краской.

Ранняя фотография натюрморта в значительной степени черпала вдохновение из живописи, хотя более поздние фотографии подошли к жанру через призму современных художественных движений.

Фотографы, как и художники, часто обращались к натюрмортам по практическим соображениям. На неподвижных предметах удобно отрабатывать навыки работы с освещением и композицией. В течение ХХ столетия фотографы начали добавлять художественные штрихи к композициям натюрморта, используя мягкие линзы и играя со светом и тенью, чтобы создать изображения приближенные к эстетике живописи.

Современный натюрморт обобщает опыт предыдущих стилей, но с новыми технологиями диапазон потенциальных предметов расширился и включает движущиеся объекты.

Вместо заключения предлагаю вашему вниманию проект современного художника Лоренцо Виттури. В нем хорошо видно, как переосмысливается предыдущий опыт художников.

Dalston Anatomy — это проект, о Ridley Road Market в Восточном Лондоне. Виттури показывает рынок как уникальное место, где «разные культуры сливаются воедино в празднике жизни, разнообразия и непреодолимой энергии». Живя рядом с этим рынком он был вдохновлен тем, как место трансформировалось до неузнаваемости.

Более семи лет, Виттури ежедневно посещал рынок и был свидетелем жизни местного сообщества, торговли и самой природы рынка, меняющейся вокруг него с поразительной скоростью.

В стейтменте к проекту на сайте автора написано:
«Используя выброшенные продукты и обрезки, частично сгнившые, Виттури группирует их в композиции и фотографирует на фоне материлов также найденных на рынке. Эфемерный характер этих скульптур отражает непостоянную природу самого рынка, а реконструкция и размещение этих тотем-объектов в выставочном пространстве обращает внимание на постоянство цикла производства, разрушения и переработки».